Alfonso V de Aragón, conocido como el Magnánimo (1396-1458), construyó la primera universidad en Catania y el primer hospital público en Palermo. En ese hospital, en el palacio Sclàfani, se encontraba originalmente el fresco «Ospedale Grande», concebido como un conjunto de obras de arte para el patio, con esculturas, pinturas y frescos que pudieran de algún modo aliviar y consolar espiritualmente a los pacientes en sus sufrimientos terrenales. «El Triunfo de la Muerte»: conocemos el origen de este gran fresco (600 × 642 cm), realizado aproximadamente entre 1440 y 1450, aunque la identidad del autor no se conoce.

Fueron también años socialmente dramáticos, en los que la propagación de epidemias, hambrunas y la peste negra cambió el modo en que las personas percibían la muerte. Es cierto que junto al fresco del «Triunfo de la Muerte» existía un ciclo sobre el tema de las cuatro llamadas Novissima , que según la interpretación cristiana son las cuatro últimas realidades con las que se encuentra el hombre: Muerte, Juicio, Infierno y Paraíso.

Pero ¿qué representa exactamente el «Triunfo de la Muerte»? Es la representación de una advertencia moral dirigida a todos, y logra expresar algo muy preciso: la fugacidad de la existencia, la fragilidad de la vida, la transitoriedad del hombre, y nos recuerda que el hecho de la muerte concierne a todos, sin importar la posición social ni la clase a la que pertenezcan.
En el gran fresco domina la representación de la muerte: un esqueleto a caballo cuyos tendones y huesos pueden verse, con la intención de matar con arco y flechas a quienes encuentra a su paso en su carrera imparable.
La escena se desarrolla en un jardín exuberante en el que la muerte se abre paso a través de la naturaleza y de los hombres —como en una típica escena de caza— lanzando precisamente otra flecha mortal que alcanza inexorablemente su objetivo.

La muerte se impone como una dama negra en el centro de la imagen, cabalgando como un esqueleto sobre un caballo surrealista, como salido de una visión. Por un lado, la representación de un mundo real, feliz, agradable, culto y refinado, y por el otro su opuesto, el mundo metafísico del drama y de la muerte. Tal como ocurre en la vida real: unos viven el drama de la muerte mientras otros viven como si eso no sucediera a su alrededor.

El texto de referencia es sin duda el Apocalipsis de Juan:
«Miré, y he aquí un caballo blanco, y su jinete llevaba un arco. Miré, y he aquí un caballo pálido; su jinete se llamaba Muerte, y el Hades le seguía. Se les dio poder sobre la cuarta parte de la tierra: para matar a espada, con hambre, con peste y con las fieras de la tierra». Ap 6, 2.8

Debajo están los cadáveres de personas que ya son víctimas alcanzadas por las flechas: los poderosos y los ricos: reyes, emperadores, papas, obispos, frailes, etc. En esta imagen los retratos moribundos son los de aquellos que dejaron de lado su responsabilidad práctica ante los acontecimientos que los rodeaban. Parece que para ellos no hay salvación ni posibilidad de librarse del abrazo de la muerte.

A la izquierda, enfrente, están los pobres, los marginados, que o bien parecen invocar la muerte como alivio de su sufrimiento, o bien están en parte librados de ella, en actitud de oración. Entre ellos destacan dos figuras particulares, dos jóvenes, cuya mirada se aparta de la escena y se dirige hacia nosotros: son el autor desconocido de la obra y su ayudante, que sostienen el pincel y el recipiente con la pintura. Ahora los retratos de los dos artistas aparecen disfrazados de cirujano y ayudante, mientras el recipiente con los colores, el apoyabrazos y el pincel se transforman en un recipiente con vinagre y en un bisturí. Puede ser también un recipiente con perfume, para alejar el hedor de la muerte. Nuestros dos jóvenes son probablemente testigos tanto de la muerte como de la salvación que se cumple ante sus ojos.

Aquel que sostiene con la correa a dos perros de mirada humana se dirige a un paso de la fuente de la vida eterna que está a la derecha. La figura del perro es símbolo de la codicia, el deseo, la ira y la sensualidad; en definitiva, de los sentidos y de los diversos sentimientos que escapan al control del espíritu y de la razón. Quien los conduce apenas parece poder retenerlos con las riendas.

Sin embargo, hay figuras que muestran que esto no vale para todos. Al desplazar la mirada hacia la derecha, parece que el ambiente cambia. En el lado derecho el entorno se transforma y lo habitan jóvenes aristócratas, damas y caballeros, pero también músicos y poetas que —evidentemente desinteresados por lo que ocurre— persisten en disfrutar de la vida y de la belleza. Son los representantes de las clases sociales más altas, reunidos en un jardín encantado rodeado por un alto seto.
Vemos a dos jóvenes, un hombre y una mujer, también alcanzados por las flechas, pero en su rostro se manifiesta la vida. Primero el joven está en el suelo, sostenido por una figura amiga, y luego se vuelve y llega hasta la fuente. A la mujer también la consuela una mano: la sostienen las manos de unas mujeres, una vestida de blanco y otra de verde, símbolos del amor y de la esperanza. La amistad y la cercanía nos hacen miembros activos y responsables de la sociedad, disminuyen en nosotros el horror de la crudeza del morir, porque morir es parte de la vida. Parece que la muerte es una especie de ángel super partes: el mismo destino aguarda a ricos y a pobres. La figura detrás de la joven salvada es ella misma, pero ahora, después de haber recibido ayuda, está con las manos alzadas en actitud de oración. Es a la vez un acto de acción de gracias y una súplica por la salvación de los demás. El color rojo es signo del amor que ha recibido y que, a través de la oración y de la intercesión por los demás, difunde más allá. El tañedor de laúd, símbolo de la armonía, nos remite a la razón de la liberación y de la purificación que ha tenido lugar, al cambio que se produce en algunas personas que, al escuchar cierta música (concretamente música sacra) y conmovidas por emociones intensas, son purificadas y renovadas.

Por encima de ellos hay una fuente de la que brota agua que simboliza la salud y el nuevo nacimiento, la renovación de la vida. De ella beberá también el joven que ha sanado. «Derramaré sobre vosotros agua pura y quedaréis purificados de todas vuestras impurezas» (Ez 36, 25).

Y ahí está la escena clave de esta obra: un joven apoyado en la fuente, que sostiene un águila en el brazo, es san Juan apóstol. El águila señala la «victoria» de la vida sobre la muerte. Se encuentra justo encima de la cabeza del caballo y junto a la fuente, fuente de la vida. Simboliza a Aquel que tiene poder sobre la muerte, que puede poner fin y detener esta carrera desenfrenada. La Sagrada Escritura dice que Jesús con su muerte destruyó la muerte y nos regaló la vida. Jesús dice: «Yo soy la fuente de agua viva que brota para la vida eterna. Quien beba de esta agua no tendrá sed jamás». El águila nos llega desde el cielo. Señala la Palabra de Dios, que tiene la fuerza de renovarlo todo y de encarnarse en cada uno, de detener en nosotros la muerte y de hacernos gustar la vida aunque nos encontremos en medio de la muerte. A la izquierda de Juan hay algo parecido a una escalera, es decir, un puente o un camino por el que podemos subir hacia la Nueva Jerusalén. San Juan dirige la mirada hacia el cielo, donde se vislumbra la ciudad —la nueva Jerusalén—, en la que ya «no se oirán más lamentos ni llanto». Como si invitara a todos los que contemplan esta escena a fijar la mirada en la Jerusalén celestial, allí donde el «Padre nos ha preparado muchas moradas».

Padre Cosimo Scordato - rector de la iglesia de san Francisco Javier de Palermo

No me gusta la expresión «Triunfo de la Muerte». Creo que sería más correcto hablar del «Caballero de la Muerte». Para mí es una cita del libro del Apocalipsis, capítulo sexto.

Los cuatro jinetes que son liberados, cada uno de ellos con una tarea. Uno de ellos es la muerte, representada como un Caballero que tiene el arco tensado, listo para matar. Nos ofrece una interpretación de la muerte que nos hace iguales sin importar el estamento, la edad, el sexo: desde emperadores hasta papas, desde mujeres hasta hombres, desde niños hasta el último de los pobres. Sin embargo, el caballero de la muerte también muere él mismo. Muere con su caballo. Es la muerte de la muerte. En realidad, esto afecta a todos, incluida la propia muerte. E incluso se aplica a aquella muerte que causa la muerte a otros. Pero para llevar la muerte a otro, ella misma también debe morir. El fresco estaba situado en el hospital junto a otros frescos muy importantes que trataban temas relacionados con las realidades últimas de la vida del hombre: el morir, el purgatorio, el infierno y el paraíso. Estaba destinado a los enfermos y a los moribundos. ¿Pueden imaginar cómo se sentirían esas personas que llegan al hospital si se vieran abrumadas únicamente por este pensamiento de la muerte y del morir? Los frescos tenían como objetivo mostrar luz y esperanza en la situación de la enfermedad y de la muerte.

Así pues, no es la muerte lo más importante, no es ella la que vence. Lo más importante es la vida, cuya fuerza el hombre debe gustar aquí y ahora. Porque aquello a lo que debemos aspirar es la Nueva Jerusalén, la nueva Ciudad. Este fresco nos presenta el tema de la muerte, pero en realidad despierta en nosotros el amor y el anhelo de vida.